Para leer

LibroDescripción
Se trataba del primer encuentro en persona de dos de las figuras que más han contribuido a cuestionar y replantear el papel y las relaciones entre el arte, la educación y el conocimiento desde el Art Thinking. Junto a ellos, Andrea De Pascual y David Lanau ofrecen en estas páginas una versión reelaborada y amplificada de aquella conversación. Desde sus inquietudes y experiencias como arteducadoras en el colectivo Pedagogías Invisibles, recogen las reflexiones de Acaso y Camnitzer y aportan la necesidad urgente de incorporar procesos de pensamiento artístico en lo social para incidir en un sistema que está en crisis y sigue anclado en paradigmas que ya no sirven.
El contenido del libro entrecruza conceptualmente historia, estética, arte y ciencia para reflexionar sobre temas como los jardines, los viajes y expediciones, o la noción de ecología. Presenta más de 40 imágenes de piezas ligadas a la historia de la ciencia, todas ellas procedentes de los Museos y Colecciones de la Universidad Complutense. En el libro Herbarios Imaginados los fondos de los Museos de la Universidad Complutense están relacionados con la botánica y dialogan con obras de artistas contemporáneos.
En el contexto de la crisis económica global, y ante el agotamiento del actual sistema productivo, la biomímesis se alza como la solución más sensata: tomar como modelo el mundo natural, cuyas estrategias, imaginativas y eficientes, responden a nuestros problemas más acuciantes, con la garantía añadida de haber sido modeladas y puestas a prueba a lo largo de millones de años. Sin embargo, sólo si abandonamos nuestro enfoque antropocéntrico y atendemos con humildad a las lecciones de la naturaleza, podremos mantener una estabilidad dinámica y aprovechar los recursos sin acumular desechos, respetando el ecosistema en que nos hallamos inmersos. En este libro pionero sobre biomímesis, janine m. benyus, una de sus principales impulsoras, nos ofrece con entusiasmo contagioso brillantes soluciones inspiradas por la naturaleza: fibras que imitan a las telarañas (cinco veces más fuertes que el acero y muy elásticas), células solares capaces de convertir luz en energía, una farmacopea basada en la sabiduría ancestral de los chimpancés u ordenadores inteligentes compuestos por biomoléculas.
Durante la segunda mitad del siglo xx, la biología ha ido adquiriendo un protagonismo creciente en el conjunto de las ciencias, desarrollando nuevos modos de conceptualizar y de intervenir sobre la vida. Desde el interés pionero de Edward Steichen y de Salvador Dalí por las ciencias de la vida, un conjunto significativo de artistas ha situado la biología en el núcleo de sus investigaciones. En el siglo xxi, cuando los efectos de la biología han traspasado los límites disciplinares del conocimiento científico, el término «bioarte» designa un conjunto heterogéneo de prácticas artísticas que no sólo remiten a la biología iconográficamente, sino que se sirven de sus propios medios (materiales y técnicas), recurriendo al laboratorio como un verdadero atelier.
Partiendo del análisis exhaustivo de un conjunto significativo de artistas y obras, el presente volumen revela que, tras la aparente homogeneidad del término «bioarte», se oculta una larga y compleja historia de relaciones entre arte, biología y tecnología. La vocación abarcadora del texto permite analizar la posición que ocupa el bioarte con respecto a otros marcos establecidos, tanto artísticos como científicos. Las tensiones que se producen entre el bioarte y estos marcos actualizan debates cruciales para la comprensión del arte actual, tales como la función crítica que se atribuye a los diálogos interdisciplinares, la teorización de la inmaterialidad en el ámbito del arte y las nuevas tecnologías, o los recurentes diálogos entre arte y vida que se producen en el arte contemporáneo.
Este libro tiene la ambiciosa finalidad de promover en pocas páginas un conocimiento de la naturaleza más amplio y profundo. Con su minuciosa y sistemática capacidad de observación y su gran sensibilidad poética, Johann Wolfgang von Goethe ofrece una visión integral de la naturaleza que aúna la forma científica con una rigurosa perspectiva simbólica. Para Goethe, la planta es de principio a fin una hoja, y el proceso por el que esta «hoja» dinámica va asumiendo progresivamente en su crecimiento y desarrollo todas las formas vegetales es lo que define como «metamorfosis». Basado en el enfoque holístico de Spinoza, su descubrimiento da a entender una dimensión más profunda de la vida vegetal, en la que el «arquetipo suprasensorial de la planta» guía, más allá de lo empíricamente visible y clasificable, todo el desarrollo y transformación de las formas materiales que percibimos.
Este libro se pregunta por la imagen. En el marco de las transformaciones ligadas a la digitalización, las nuevas tecnologías y la interconectividad en red esta pregunta adquiere una nueva complejidad. La condición digital de la imagen intensifica las indistinciones entre imágenes fijas y en movimiento, entre la percepción y el consumo visuales, entre soportes y dispositivos, entre presencia y representación. Cuando se hace el esfuerzo por definirla la imagen se muestra evasiva. Las imágenes nos instan a repetir una pregunta cuya respuesta siempre acaba remitiéndose a nuevos interrogantes, movilizando a su alrededor las cuestiones del cuerpo, la materialidad, la visualidad, la mirada, el cuidado, la participación o los artefactos.
Al despertar, lo primero que percibimos es el tacto de nuestras sábanas, la luz con la que nos envuelve la lámpara que encendemos, la forma y color de la vajilla del desayuno... Desde ese momento y hasta terminar el día, cuando cerramos de nuevo los ojos sobre el textil de la almohada, nuestro cuerpo se habrá topado y desenvuelto con una infinidad de objetos diversos. Se trata de cosas modestas, comunes y ordinarias, que usamos constantemente sin prestarles apenas atención. Pero los objetos son también unos compañeros constantes en nuestra vida y, como tales, afirma Soetsu Yanagi, deben hacerse con cuidado y fabricarse para que duren. Deben ser tratados con respeto e incluso afecto. Y deben aunar perfectamente belleza y utilidad. Soetsu Yanagi es un pensador imprescindible hasta ahora inédito en castellano, y una de las voces clave del siglo XX en llamar la atención sobre el valor de los objetos cotidianos y la artesanía anónima. Este libro, que recopila los ensayos breves del crítico japonés, nos enseñará a mirar con nuevos ojos a nuestro alrededor y a admirar el increíble valor material e intangible de las creaciones anónimas, siempre bellas y honestas, que forman parte de nuestra vida cotidiana.
¿Cómo nacen los objetos? analiza el trayecto que un diseñador recorre desde que se enfrenta a un problema funcional hasta que logra la proyección y configuración de su solución material.

A partir de su experiencia como pedagogo y valiéndose de un rico repertorio de ejemplos e ilustraciones, Bruno Munari plantea a modo de apuntes algunas de las cuestiones clave que entran en juego en el proceso de diseño, al tiempo que proporciona iluminadoras reflexiones sobre diferentes aspectos del desarrollo de un proyecto, desde su planteamiento como problema-solución o la realización de bocetos, hasta el uso de maquetas o fichas de análisis.
A finales del siglo XX, R. Murray Schafer propuso un acercamiento empírico a  la idea del universo como composición musical  y desde entonces los trabajos en torno al paisaje sonoro (término que acuñó el autor en este libro) no han dejado de crecer. Schafer concibe el paisaje sonoro como un ecosistema integrado por todos los acontecimientos acústicos del mundo, el catálogo completo de los ruidos y sonidos entre los cuales vivimos. Para ello es necesario escuchar muy atentamente el mundo para saber cómo afinarlo, para saber qué sonidos queremos preservar, fomentar o evitar.
Para el autor, el paisaje sonoro del mundo es una composición musical que se despliega sin cesar a nuestro alrededor y de la que nosotros deberíamos ser no sólo su auditorio, sino asimismo sus compositores e intérpretes. De aquí se desprende la necesidad de una disciplina nueva, el diseño acústico, que podría llegar a ser del máximo interés para el artista, el urbanista y el arquitecto. En la base de esta materia encontraremos la teoría de la música pero también la acústica, la antropología, la sociología, el arte o el estudio del simbolismo de los sonidos.
A partir de los sonidos primordiales de la naturaleza, sistemáticamente descritos en esta obra a través de fuentes literarias de todas las épocas, el libro hace un recorrido histórico por la creciente complejidad de los entornos acústicos hasta nuestros días: desde los sonidos oceánicos (el agua como fuente de vida) a los de las máquinas.
El libro  también es una invitación al silencio: puesto que el sonido es el contrario complementario del silencio "insiste el autor del libro", toda meditación acerca del sonido deberá concluir con el silencio; un silencio que más que ausencia de sonidos sepa ser la soledad sonora o la música callada que imaginaba el poeta.  
El Prado es todavía, doscientos años después, una institución en la que se silencia y se excluye a la mujer. A las artistas y a las visitantes: todas invisibles y todos ciegos ante la ausencia de la voz y la experiencia femeninas. ¿Por qué el Museo Nacional del Prado ignora a las mujeres? En las salas del referente español y en las del resto de instituciones internacionales, el relato que se alaba en el siglo XXI es el mismo con el que el siglo XIX contó el mundo y construyó sus intereses. Cuadro a cuadro, este libro revisa el legado patriarcal que ha llegado hasta nuestros días, aunque hoy lo señalemos como injustificable y rechacemos cualquier práctica que amplíe la brecha entre hombres y mujeres.
Esta no es una historia del arte tradicional: es una guía contra las ausencias, las vejaciones, los eufemismos, los silencios y tergiversaciones que han hecho desaparecer a la mitad de la población, con una violencia soterrada y a la vista. Y esta es también una historia contra la ceguera, una narración sobre las condiciones políticas y sociales que determinan la creación artística y privilegian a ellos sobre ellas. Es el momento, ante el auge de los fascismos, de que los museos asuman sus responsabilidades y pasen a ejercer una práctica de pensamiento crítico, y se nieguen a dar por sentado el marco del menosprecio y la desigualdad.
Desde hace tiempo las mujeres han empezado a pelear por su sitio en diferentes disciplinas, alzando la voz y mostrando mensajes reivindicativos en redes sociales.

Las ilustraciones que se muestran en este libro te engancharán por su contenido. Trabajos en los que sobre todo, las mujeres son las protagonistas de sus ilustraciones, combinando técnicas manuales y digitales para crear un universo propio y repleto de chicas, en situaciones cotidianas.
Inspirado en su álbum de éxito internacional El punto, Peter H. Reynolds nos guía en un viaje hacia la creatividad animándonos a encontrar el placer en lo sencillo: puntos pequeños, puntos grandes, puntos de colores, puntos ordenados y puntos desperdigados que gracias a los sencillos ejercicios de dibujo de Reynolds nos ayudarán a relajarnos, a dejar que fluya la creatividad e incluso a superar el exceso de perfeccionismo. Tanto si eres un principiante que necesita un empujoncito como si eres un experto que necesita una buena dosis de imaginación para refrescarse y renovarse... este cuaderno es para ti. SI SABES DIBUJAR UN PUNTO, ESTÁS LISTO PARA EMPEZAR ESTE VIAJE A LA CREATIVIDAD.